Des peintres marocains, aux frontières de l’art naif et de l’art singulier

Art naïf : Le terme «naïf» est désormais préféré au «primitif» quelque peu péjoratif pour décrire des peintres se caractérisant par leur «conviction intérieure» ou «la justesse de leur vision personnelle» plutôt que par le fait d’être autodidactes ou vivant à l’écart des pressions des tendances dominantes. 

Mais tous les artistes, quel que soit leur degré de sophistication, ne partagent-ils pas ces qualités ? Une meilleure définition du terme «naïf» pourrait être l’innocence d’une vision non encombrée par les retombées de l’histoire de l’art.  

L’art naïf est l’un des phénomènes les plus sophistiqués du monde de l’art de nos jours. Il est le champ choisi par des artistes hautement qualifiés, familiarisés avec les techniques les plus raffinées et les styles les plus modernes. 

Conscients de l’attrait à la mode de l’art naïf et de son accessibilité, certains artistes ont abandonné les formes habituelles de l’expression esthétique aboutie pour une simplicité d’approche discutable et une sincérité désarmée du sentiment.  

 

Art singulier : L’art singulier concerne toute œuvre d’art produite par un artiste idiosyncratique étranger au monde de l’art conventionnel et qui met en relief des figures socialement ou culturellement marginales.  

Le terme art singulier a été introduit dans le lexique dans les années 1970, lequel englobe un large éventail d’histoires et d’idées. Les pionniers de cet art ont été considérés à peu près de la même manière – comme des autodidactes dont la force créatrice résidait dans une innocence et une authenticité présumées, et qui finissent par développer une approche distinctive de la couleur et de la narration visuelle. 

Les artistes singuliers créent simplement pour eux-mêmes, afin de donner un sens à leurs expériences, à leurs intérêts et au monde qui les entoure. Les artistes singuliers s’engagent dans leur environnement selon leurs propres conditions et ne suivent pas les règles du monde de l’art. 

De nombreux artistes étrangers sont connus comme des artistes visionnaires. Certains créent de l’art parce qu’ils croient avoir reçu un message de Dieu ou d’une autre source spirituelle ou mythique. Ces artistes ont une vision intérieure forte et se sentent obligés de créer leur art. Souvent, il est motivé par une impulsion, une obsession ou une inspiration religieuse. 

Quatrièmement, contrairement à de nombreux artistes traditionnels, les artistes singuliers utilisent des matériaux non traditionnels pour concevoir leurs œuvres. Elles sont souvent élaborées sur une toile standard avec de la peinture à l’huile ou à l’acrylique.  

Chaïbia Talal

1929-2004

« Malgré l’immensité des mers, malgré les verrous et les geôliers sans pitié, l’espoir renaît toujours » disait la grande artiste Chaïbia Talal, estimée de tout le monde, et qui a joui, pendant sa vie, de la réputation qu’elle méritait ; elle s’est soutenue après sa mort, et son nom sera toujours un de ceux qui feront le plus d’honneur aux arts et à sa patrie. Née en 1929 dans le petit village marocain de Chtouka, une zone rurale de la province d’El Jadida, Chaïbia Talal a persévéré dans une vie de grande lutte et est devenue plus tard l’un des artistes les plus célèbres du Maroc. À 25 ans, Talal a eu une vision inspirante: elle rêvait que des individus entraient dans sa chambre et lui tendaient des stylos, des pinceaux et des feuilles pour dessiner. Deux jours plus tard, bien qu’elle n’ait aucune compétence en art, elle a acheté de la peinture et des pinceaux et a commencé à peindre. 

Au milieu des années 60, le fils de Talal, Hossein, qui étudiait à l’étranger, est retourné au Maroc. Un soir, Hossein a invité deux invités à dîner avec lui et sa mère – Ahmed Cherkaoui, un artiste marocain, et Pierre Gaudibert, alors directeur du Musée d’art moderne de Paris, et un éminent critique d’art. Après avoir jeté un coup d’œil aux toiles de Talal, les deux hommes ont été conquis et l’ont fortement encouragée à exposer son travail.  

Le soutien de Gaudibert a permis à Talal d’organiser sa première exposition à l’institut Goethe de Casablanca en 1966. Cette exposition a retenu l’attention du monde de l’art international et la même année, elle a organisé deux autres expositions à Paris. La scène artistique marocaine des années 1960 était à prédominance masculine, considérée comme quelque peu élitiste, malgré cela, de 1966 à 1988, Talal a exposé à travers le monde, notamment au Danemark, en Espagne, aux Pays-Bas et en Allemagne, et beaucoup ont apprécié ses dessins brillants et expressifs.

Chaïbia Talal, Mon village, Chtouka, 1990, huile sur toile, 190 x 191 cm, Arab Museum of Modern Art, Doha

 

Chaïbia Talal a été connectée à la nature dès son plus jeune âge et se sentait plus à l’aise pour peindre à l’extérieur. Elle peignait sur de grandes toiles, sur lesquelles elle utilisait des peintures à la gouache, à l’encre de Chine et à l’huile, en utilisant des couleurs directement des tubes sans les mélanger. Ces couleurs étaient souvent appliquées sur la toile en sections importantes, soulignées de noir, ou parfois sous forme de grandes lignes spontanées épaisses. Ces deux techniques sont visibles dans ses deux œuvres de la Collection Dalloul – L’Amoureuse (1971) et Aïcha (1988) – qui sont également des exemples frappants de l’inclination de Talal à peindre des portraits de femmes marocaines traditionnelles, souvent avec des notes régionales, vêtements et coiffes (comme dans L’Amoureuse). Grouillant d’imagination presque enfantine, de dynamisme et de chaleur, les peintures de Talal sont devenues une fenêtre sur la campagne marocaine et ses personnalités, et sa concentration sur la population féminine lui a valu une place de «porte-flambeau» pour les femmes marocaines. 

Le style unique de Talal lui a permis de devenir un symbole fascinant dans un monde de l’art qui donnait souvent la priorité à l’élite. Elle est ensuite devenue la seule peintre marocaine à être cotée en bourse, les collectionneurs d’art dépensant souvent des sommes considérables pour entrer en possession de son travail.  

Fatima Hassan El Farrouj 

1945-2011

Née en 1945 dans la ville de Tétouan, au Maroc, Fatima El-Farouj était une artiste autodidacte poussée vers la peinture par son mari, Hassan El-Farouj, également artiste lui-même.

Fatima Hassan El Farouj, lenfant 2007, acrylique sur toile, 90 x 80 cm,  collection privée.

Dans les années 1960, elle a commencé à développer son style exclusif après avoir été charmée en découvrant les œuvres d’autres artistes. Vivant et travaillant dans la capitale Rabat, elle a d’abord été couturière professionnelle; elle a utilisé sur sa toile ses compétences en broderie, couture et tatouage au henné appuyée par la dextérité de ses gestes techniques. El-Farouj a arrangé ses compositions en superposant les éléments, en partitionnant les couleurs, et en portant une attention particulière aux détails. Sa liberté d’expression et son style naïf évoquent la broderie traditionnelle: ses œuvres sont souvent ornementales. Ils révèlent un univers imaginaire plein de couleurs vives et de symboles représentant des scènes de genre, des paysages, des coutumes locales et des célébrations. Ses toiles saturées invitent le spectateur à un univers où les aspects marocains et africains sont omniprésents. Fatima Hassan El-Farouj a illustré la joie de vivre qu’elle incarnait. Elle est décédée en 2011. 

Fatna Gbouri

1924-2012

Née en 1924 à Tnine Gharbia (région de Safi), Fatna Gbouri, autodidacte, a exposé pour la première fois collectivement en 1986 à Meknès et individuellement en 1989 à Rabat. Elle a vécu et travaillé à Safi. Elle est décédée le 2 février 2012. Les personnages et les scènes quotidiennes faisant partie de son vécu occupent l’espace des peintures de Fatna Gbouri.

Fatna Gbouri, Jour de marché , 2003, huile sur toile, 96 x 75 cm, collection privée.

 

Elle représente des hommes en costumes traditionnels et des femmes aux grands yeux fardées, vêtues de longues robes larges et colorées. Fatna Gbouri a développé un art où l’humain occupe une place centrale.

Mohamed Tabal

1958-

«Les gnawa marocains ont enfin leur propre artiste», a déclaré en1988, le professeur Georges Lapassade, qui avait étudié et publié de nombreux ouvrages sur la culture populaire d’Essaouira pendant près de quarante ans. 

Mohamed Tabal s’est imposé comme la figure de proue d’un nouveau mouvement artistique. Il consacrait son attention à ces «humbles petites choses» peintes sur de vieux morceaux de bois fendus. En particulier, il y avait un tableau représentant son père peint un an après sa mort et un autre centré sur une histoire d’amour malheureuse. 

Tabal n’avait manifestement pas peint ces œuvres pour devenir artiste. Ils sont nés dans une émanation existentielle liée à l’univers gnawi. Ses tableaux sont des chefs-d’œuvre de l’imagination. Il a puisé son inspiration dans ses origines africaines et ses traditions gnawa. Ses œuvres ont été enveloppées dans l’atmosphère mystique des rituels gnawa et ont rappelé les histoires bariolées des conteurs publics.

Mohamed Tabal, composition fantastique, Huile sur isorel, 39.5 x 34 cm, collection privée.

Tabal incarne le désir de l’artiste de peindre à son gré. Libre dans ses méthodes, il ne peut être classé dans aucune école. Ses œuvres très originales ouvrent un univers magique, parfois chaotique, où règne un seul ordre, celui du besoin de peindre. 

Les yeux jouent souvent un rôle primordial dans sa peinture. Les contours sont noirs, les pupilles parfois habitées par le visage d’un personnage qui se fond dans la composition, le regardant avec hypnose. Ses toiles regardent autant qu’elles sont regardées. Dans l’œuvre de Tabal, la présence fondamentale des yeux est une ouverture sur le mystérieux et un miroir contribuant à l’étrangeté de ses travaux, où les couleurs sont vives et lumineuses. 

Il y a une multitude de petits détails qui recouvrent les médiums et les surfaces de ses peintures comme des sculptures. Il a opté par la suite pour des représentations humaines peintes sur un cadre en bois avec des collages en carton et en carton dur. Un énorme chameau avec un coq multicolore, un chien-crocodile bleu, une table surmontée d’un disque tournant, et d’autres objets très amusants plongent l’observateur au cœur d’un cosmos extravagant. 

Ali Maimoun

1956-

Ali Maimoun est né en 1956 à Ouarzazate, au sud des montagnes de l’Atlas. Il a travaillé comme maçon, et a commencé à sculpter avant de se tourner vers la peinture, en utilisant de la sciure de bois colorée. Les surfaces condensées de ses peintures sont saturées de couleurs, de dessins complexes et de formes sculptées dans de la peinture à la sciure laissée à sécher. Il a exprimé son talent créatif avec des sculptures en pierre avant de devenir un artiste autodidacte.

Ali Maimoun, Sans titre, technique mixte sur panneau, 120 x 178 cm, collection Fundación Yannick y Ben Jakober / Museo Sa Bassa Blanca

 

Plongé dans la peinture, il s’inspire de sa vie quotidienne et y imprègne la mythologie et les figures africaines. Son élan est enraciné dans l’héritage africain et amazigh mystifié par des rituels de magie et de transe. Son travail dégage tout ce qui est mystérieux et non dévoilé dans la culture actuelle. 

Plusieurs de ses œuvres remarquables ont enrichi des expositions au Danemark, en France et en Suisse. Ses tableaux ont orné plusieurs manifestations culturelles dont Esoteric Writings, MACAAL, Marrakech (2021), (2018); Biennale de Marrakech (2016); Le Maroc contemporain, L’IMA, Paris (2015) et Artistas Singulares Marroquies, Musée Sa Bassa Blanca, Majorque (2014). 

Par : Omar Sara

Editor BLOC 9 Art

07 Mai 2021

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